Raysse war in den 70er Jahren von Gunter Sachs gekauft und ausgestellt worden. Ich selbst hatte zu der Zeit von Raysse eine Grafik-Edition verlegt, die hauptsächlich in Frankreich gefragt war. Ein Blatt davon ist unter www.etage-info.de/art zu sehen. Die Grafik hatte vor längerer Zeit ein Sammler preiswert erworben. Er erwartet nun über meine Kunst-Datenbank natürlich ein lukrativeres Kaufangebot.

Die Preise für zeitgenössische Kunst scheinen von Auktion zu Auktion ein höheres Niveau zu erreichen. Dazu tragen die weltweiten Verkäufe übers Internet und Telefon immer mehr bei. Vor allem für Russen und Asiaten scheint der Kunstbesitz viel Prestige zu bringen. In London versteigerte in der vergangenen Woche Sotheby’s 54 der 59 angebotenen Lose für 44,3 Millionen Pfund (52,2 Millionen €), Christie’s 58 von 63 Losen für 61,4 Millionen Pfund (72 Millionen €) und das auf sehr junge Kunst spezialisierte Auktionshaus Philips de Pury mit dem Versteigern von 24 der 29 Lose 5,4 Millionen Pfund (6,3 Millionen €). Die sicherste Bank sind beim Verkauf zeitgenössischer Kunst Bilder von Andy Warhol. Der gegenwärtig wichtigste und finanzstärkste Händler Larry Gagosian, der rund um den Globus Galerien betreibt, zahlte für ein monumentales „Self-Portrait“ Warhols bei einem Schätzpreis von 3-5 Millionen  schließlich 9,6 Millionen Pfund (11,3 Millionen €) (Financial Times, London 12.1104.41 / FAZ, London 18.1104.42 / ETAGE MediaSelection 24.02.11).

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Kunstmarkt Herbst 2010: Zeitgenössische schlägt moderne Kunst

An dem Tag im September 2008, als der britische Künstler Damien Hirst aus seinem Bestand Kunstwerke für 70.545.100 Britische Pfund (damals 78439.042 €) bei Sotheby’s in London versteigern ließ, brach Lehman Brother’s in New York zusammen – und damit stürzten die Preise für moderne und zeitgenössische Kunst auf das Niveau von 2007 hinab. Seit ende letzten Jahres kletterten sie wieder auf Kunstmessen und auf Auktionen in Schwindel erregende Höhen.

Moderne und zeitgenössische Kunst haben sich in der Finanzkrise als eine der besten und wertbeständigsten Anlagen erwiesen. Die Londoner Financial Times veröffentlichte im Herbst Indices für moderne Kunst (beginnend Anfang des 19. Jahrhunderts) und für zeitgenössische Kunst (nach 1945). Allerdings ist die Abgrenzung nicht genau. Picasso war auch nach dem Weltkrieg aktiv, wird aber zu den modernen und nicht zeitgenössischen Künstlern gezählt.

Die Preise der 100 berühmtesten modernen Künstler wie Picasso, Léger oder Matisse stiegen von 2006 bis 2008 um 200 %. Sie hatten nach der Pleite von Lehmann Brother’s ihren Tiefpunkt im Januar 2010 erreicht. Seitdem erhöhten sich die Preise um 25 %. Es wird mit jährlichen Preissteigerungen von 7 bis 9 % gerechnet.

Die Preise der 10 teuersten zeitgenössischen Künstler stiegen von 2006 bis September 2008 sogar um 340 %, die der in der Preisskala dahinter liegenden 80 Künstler um 240 %. Der Zusammenbruch von Lehman Brother’s riss die Preise für zeitgenössische Kunst wieder nach unten; doch seit April 2010 gab es bereits wieder einen Preisanstieg von 20 %, der auch die Steigerungsrate für die nächsten Jahre sein soll (Financial Times, London 27.1009.41).

Bei den Auktionen und Kunstmessen seit Anfang November 2010 hat sich der Trend mehr als bestätigt. So gelang es Philips de Pury & Company, das Bild von Andy Warhol ‚Men in Her Life’ für 63.362.500 $ zu verkaufen und für neun Werke anderer zeitgenössischer Künstler jeweils über eine Million $ zu erzielen. Insgesamt wurde an einem Abend zeitgenössische Kunst für insgesamt 136 Millionen $ verkauft. Einen Tag später erzielte das Auktionshaus Christie’s mit zeitgenössischer Kunst 137 Millionen $.

Das Angebot vom dritten großen Auktionshaus Sotheby’s brachte es auf „nur“ 36 Millionen $ Verkaufserlöse (plus Kommissionsaufschläge auf 44 Millionen $). Sotheby’s hatte ein weniger spektakuläres Angebot. Zum teuersten Bild und einzigem, das über eine Million $ brachte, wurde eine Arbeit des Amerikaners Wayne Thiebaud mit 1,55 Millionen $. Er zählt zwar zu den Pop-Künstlern; aber als Jahrgang 1920 nicht mehr zu den Zeitgenossen.

Deutsche Künstler haben international in den letzten Jahren stark an Renommee auf Kunstmessen und Auktionen gewonnen. Für ein Bild von Thomas Schütte wurden bei Philips de Pury  4.114.500 $ gezahlt. Jonathan Meese, Anselm Kiefer, Gerhard Richter, Rosemarie Trockel und Isa Genzken sind jüngst auf der Art Basel Miami Beach mit Arbeiten zu Preisen von einigen hunderttausend $ vertreten – und fanden Käufer.

 In Frankreich ist die Bibliothèque nationale zuständig für das Sammeln von Grafiken. In ihrem Katalog von 1973 über die wichtigsten Neuzugänge findet sich bereits das Blatt von Martial Raysse. Es werden auch Arbeiten deutscher Künstler wie Joseph Beuys, Johnny Friedländer, Hans Hartung, Dieter Rot, Wolf Vostell*, Paul Wunderlich und die in Paris lebenden Peter Klasen* und Jan Voss* mit Grafik-Blättern auf den 52 Seiten des Katalogs mit Abbildungen vorgestellt.

 Die Bibliothèke nationale macht bei ihrer Sammlung vor Grenzen anderer Länder nicht halt. Sie veröffentlichte in dem Katalog auch Abbildungen von Grafiken der Künstler Eduardo Arroyo* (Spanier), Lourdes Castro* (Portugiesin), Richard Hamilton, David Hockney (Briten), Wolfgang Gäfgen* (Schweizer), Jim Dine, Roy Lichtenstein, James Rosenquist (Amerikaner), Hervé Télémaque* (Haitianer), die „Klassiker“ Marc Chagall, Joan Miro und Pablo Picasso sowie von anderen Ausländern, die zum Teil in Paris lebten oder gelebt hatten.

 Grafik-Editionen von mir waren in dem Katalog zu finden von den Künstlern Hervé Télémaque* und Joel Kermarrec* (Belgier). Das waren also inklusive der Arbeit von Raysse in dem Katalog für 1973 drei meiner Editionen. Andere Künstler, die in dem Katalog mit Arbeiten abgebildet waren und die ich mit anderen Motiven verlegt hatte, sind oben mit dem Sternchen (*) gekennzeichnet. Dazu kommen die Künstler Henri Cueco, Jacques Monory, Gérard Titus-Carmel und Antonio Segui. Von einigen finden Sie Arbeiten auf meiner Kunst-Hompage.

 Eigentlich wollte ich nur an dem Beispiel Raysse illustrieren, wie in Frankreich beim „staatlichen Sammeln“ von Grafiken in der Bibliothèke nationale über die Landesgrenzen geschaut wird und entsprechend gesammelt wird. Hier weiß man nicht einmal in Berlin, was in München, Köln oder Hamburg passiert und umgekehrt. Der Grund liegt wahrscheinlich darin, daß Deutschland ein föderativer Staat ist, in dem jede Landesregierung sich möglichst nur mit in ihrer Region ansässigen Künstlern schmücken will. Der Blick über die Grenzen in andere Länder wird häufig unterlassen.

Die Galerie Vernison, die zum Londoner Auktionshaus Christie’s. gehört, schließt wieder in Berlin. Sie hatte gerade noch ein Highlight nach Berlin gebracht, eine Ausstellung von Yoko ONO. Der Direktor der Galerie, Matt CAREY-WILLIAMS, resümiert gegenüber der Londoner Financial Times nüchtern: „Andere Galerien haben dasselbe gemacht wie wir, sie eröffneten eine Galerie und schlossen sie wieder“. Er beschreibt Berlin als „Europas Peking“. Es ist ein Ort mit Galerien und Künstlern, aber kein zentraler Kunstmarkt. „London und New York sind die Kernmärkte für Kunst“.

 Den Schritt zurück aus Berlin haben  auch andere Galeristen und Auktionshäuser gemacht. Die Stadt leidet darunter, daß im Umland, eben der einstigen DDR, sich die Bildende Kunst nicht entfalten konnte. Viele talentierte Künstler erhielten keine Möglichkeit, ihre Werke auszustellen, weil sie den Vorstellungen der Partei nicht entsprachen. Die wenigen privaten Galerien, die es gab, waren zu unbekannt, um das Interesse größerer Kreise zu wecken. Es ist eben eine alte Erfahrung, daß Kunstinteresse meist von Generation zu Generation weiter gereicht wird. Da das Bürgertum in dem Arbeiter- und Bauernstaat DDR zum großen Teil vertrieben wurde (Akademikerkinder durften meist nicht studieren, selbst Kleinunternehmer wurden zum großen Teil enteignet), konnte sich ein Kulturleben, das dem westlichen vergleichbar war, nicht entwickeln. Auch West-Berlin erlebte die Abwanderung eines Großteils der Bürgerschicht, die in der geteilten Stadt keine berufliche und finanzielle Basis fand. Darunter leidet noch die ganze Region. Und auch darunter, daß das Vermögen der Einwohner im Vergleich zu dem von Westdeutschen viel kleiner ist. Also gibt es auch wenig Kunstkäufer in der Stadt.

 Die ganz junge, aktuelle Kunst ist vorherrschend beim art forum. Damit soll sich die Berliner Veranstaltung von vielen etablierten Kunstmessen im In- und Ausland unterscheiden. Allerdings garantiert junge, aktuelle Kunst nicht Qualität. Das dürfte der Grund sein, warum die großen Kunstsammler mit viel Geld aus dem In- und Ausland kaum auf dem art forum zu sehen sind. Die von der führenden Messe Art Basel abgeworbenen Direktoren des art forums, Eva-Maria HÄUSLER und Peter VETSCH, versuchen, neue Akzente zu setzen; doch Veränderungen brauchen Zeit. Glück für die Direktoren ist, daß sie mit dem Geschäftsführer der Messe Berlin, Dr. Christian GÖKE, einen kunstbegeisterten und engagierten Partner haben.

 Wegen einer Kunstmesse nach Berlin fahren? Das ist wahrscheinlich vielen Kunstliebhabern zu aufwendig. So ist wohl die Idee entstanden, zur gleichen Zeit an verschiedenen Orten in Berlin eine Reihe weiterer Kunst-Präsentationen mit Messecharakter zu veranstalten. So war auf dem Ausstellungsgelände am Funkturm nicht nur das art forum zu finden, sondern auch die abc-Art Berlin Contemporary, die den Fokus auf Fotografie, Videos und Installationen bot und die Bedeutung des Films für die zeitgenössische Kunst aufzeigte.

 In Stadtmitte, in dem Gebäude der früheren Münzprägeanstalt, war die Messe für aktuelle Kunst und Fotografie Berliner Liste zu finden. Dort wurden von 107 Galerien aus 16 Ländern circa 200 Künstler gezeigt. Die Zahl der ausstellenden Galerien ist geringer geworden; die meisten Künstler präsentieren sich selbst. Im stillgelegten Flughafen Tempelhof war zusätzlich die Messe Preview zu sehen, die vom Konzept her wohl dem art forum am nächsten ist. Immerhin haben die Veranstalter 60 Galerien aus 19 Ländern akquiriert. Die Organisatoren Kristian JARUMSCHEK, Rüdiger LANGE und Ralf SCHMITT setzen auf geringe Kosten für die Aussteller. Im ehemaligen Paketbahnhof, nahe am U-Bahnhof Gleisdreieck, zeigte die Stroke Artfair „Urban Art“ von Künstlern, die bei ihren Arbeiten auf den Erfahrungen mit Graffitis und ähnlichen Straßenkunst-Techniken aufbauen. In einem früheren Schlachthof im Bezirk Friedrichshain gastierte der Kunstsalon, in dem sich zumeist Künstler, die nicht von einer Galerie vertreten werden, ihre Arbeiten gegen eine Gebühr ausstellen konnten. Schließlich zeigte in Kooperation mit dem art forum die Universität der Künste (UdK) in ihrem Gebäude in der Hardenbergstraße nahe dem Zoo die Ausstellung Update. In 16 Kojen wurden 16 “one-man-shows” eingerichtet. Gezeigt wurden unterschiedliche Positionen der Künstler in Malerei, Fotografie, Video, Skulptur und Neue Medien.

 Kein Kunstinteressierter, der einen Beruf ausübt, kann die Zeit aufbringen, um alle diese Veranstaltungen zu besuchen oder wenigstens einige von ihnen. Vor allem kann kaum jemand das Gesehene verarbeiten, auch wenn er nur in eine der Messen geht. Selbst ein längerer Blick auf ein Werk, das ein Betrachter besonders schön bzw. gut findet (das hören Künstler und Galerist lieber), ist zu Hause an der Wand dann doch nicht der Blickfang, der es sein sollte. Ich habe diesmal dreimal das art forum besucht und nur Stippvisiten bei anderen Kunstmessen gemacht. Ich halte mich gewöhnlich nie länger als eine bis zwei Stunden in Museen oder anderen Ausstellungen auf, weil ich nicht mehr verarbeiten kann. Als Kunsthändler habe ich häufig die Möglichkeit genutzt, das Werk eines Künstlers, bei dem ich in Hinblick auf seine Qualität unsicher war, im Büro oder der Wohnung einfach ein paar Tage auf den Boden zu legen oder an die Wand zu stellen. Dann war ich in meinem Urteil sicher.

 Die Erfahrung hat mich zu einem neuen Konzept des Kunsthandels animiert. Im Internet werden auf meiner Homepage inzwischen über 250 Kunstwerke der verschiedensten Bereiche, also Bilder, Zeichnungen, Grafiken, Objekte (Multiples), Handpresssendrucke und auch Bücher über Kunst und Künstler präsentiert, die man sich in Ruhe zu Hause ansehen kann. Mit einem Klick können die Abbildungen vergrößert werden, so daß die Werke besser zu beurteilen sind.

 Um keinen Käufer unter Druck zu setzen, räume ich diesen das Recht ein, nicht nur während der gesetzlichen Frist ein Werk zurückzugeben, sondern es bis zu 30 Tage zu behalten. Länger dürfte niemand brauchen um festzustellen, ob auf Dauer ein Kunstwerk in den eigenen vier Wänden gefällt.

 PS zum art forum: wichtiger sind FRIEZE und FIAC

 In Europa folgten terminmäßig dem Berliner art forum die Kunstmärkte: FRIEZE in London und FIAC in Paris sowie erstmals die Multiplied in London. Die wichtigere ist zweifellos FRIEZE, die vom Konzept her wie die Berliner Messe junge Kunst zeigt, aber auf einem höherem Niveau; denn bei der FRIEZE stellen viele der einflußreichsten Galerien aus aller Welt aus. Sie präsentieren Künstler-Stars wie Damien HIRST oder Susan HILLER; für die gerade eine Retrospektive in der Londoner Tate Gallery vorbereitet wird. Die ausstellenden Galerien zeigten nicht nur die Werke ihrer Künstler, sondern verkauften einen Großteil davon.

 Es folgte die FIAC in Paris mit fünf Satelliten-Veranstaltungen. Werke von Alexander Calder  und David Hockney illustrieren das Niveau der Kunstmesse. Ein Highlight für den Kunsthandels-Platz Paris war, daß zur FIAC die größte und finanziell wohl am besten ausgestattete Galerie-Kette der Welt, Gregorian, in Paris ihre neunte Galerie eröffnete.

 In London gab es in den Räumen des Auktionshauses Christie’s in South Kensigton zur Zeit der FRIEZE eine neue Messe, die Multiplied. Gezeigt wurden hauptsächlich Grafik-Editionen, aber auch Fotos, Videos und Skulpturen. Die Messe kopiert die Idee der New Yorker Editions and Artists Book Fair. Die Preise für Editionen beginnen bei 50 €, in der mittleren Preislage wird beispielsweise eine Grafik von Eduardo PAOLOZZI für 1.429 € gehandelt. Grafiken von Andy WARHOL kosten einige Tausend €.

 Daß auch Druckgrafiken Preise in Millionenhöhe erzielen können, die früher nur für ganz wenige Ölbilder gezahlt wurden, hat sich dieses Jahr bereits zweimal erwiesen. Im Juli erreichte die Grafik von Edvard MUNCH „Madonna“ bei einer Versteigerung von Bonhams in London 1,3 Millionen € (mit Aufgeld 1,5 Millionen €). Das war ein Weltrekord für Grafikpreise. Im September wurde die Grafik von Pablo PICASSO „La Minotauromachie“ bei Sotheby’s mit 1,460 € Millionen € noch teurer verkauft. 18.10.10.

 Seit Jahrzehnten höre ich immer wieder die Klage von Künstlern und ihren Freunden, daß es so schwer ist, eine Galerie zu finden, die sie ausstellt oder wenigstens ihre Arbeiten unter anderen anbietet. Und Künstler klagen immer wieder, Galerien verlangen zu hohe Verkaufsprovisionen. Deshalb seien sie nicht bereit, in einer Galerie auszustellen.  Bei den zuletzt genannten Künstlern ist anzunehmen, daß sie keinen Galeristen  gefunden haben, der ihre Werke zeigen und verkaufen will. Nie scheint diesen Künstler der Gedanke zu kommen, daß ihre Werke einfach nicht gut genug sind. Sie leben dennoch teilweise ganz gut vom Kunstverkauf, wenn sie genug Bekannte und Freude haben, die nichts von Kunst verstehen.

 Eigentlich suchen Galeristen händeringend Künstler. Das ergibt sich einfach aus den Mechanismen des Kunstbetriebes. Galerien müssen in der Regel mindestens alle zwei Monate eine neue Ausstellung präsentieren, das heißt, sie müssen mindestens sechs Künstler im Jahr ausstellen. Da sie im Jahr danach nicht Werke derselben Künstler zeigen können, bedeutet das für den Galeristen, er muß weitere sechs Künstler im Programm haben, also zumindest zwölf.

In Berlin gibt es circa 500 Galerien, die regelmäßig Künstler ausstellen. Das heißt, bei sechs Ausstellungen pro Jahr müssen sie mindestens 3.000 Künstler präsentieren können bzw. innerhalb von zwei Jahren 6.000. Wo und wie aber findet man so viele, die ausstellungswürdig sind? Die gibt es nicht. Also werden auch untalentierte gezeigt, vor allem von neuen Galerien, die von guten und etablierten Künstlern gemieden werden.

 Das Problem potenziert sich bei den Kunstmärkten in aller Welt, auf denen eigentlich nur la Crème de la Crème ausgestellt werden sollte. Die wenigen renommierten Messen wie ART Basel, FRIEZE in London oder FIAC in Paris schaffen es, die besten etablierten wie aufstrebende Künstler zu zeigen. Auf den anderen Messen ist das Angebot von wahrer Qualität zwangsläufig klein und vielfach eigentlich nicht messewürdig; auch wenn es, quasi als Raritäten, sehr gute Werke zu sehen und zu kaufen gibt.

19.10.10

Die Pleite von Lehman Brothers spülte eine der größten Sammlungen zeitgenössischer Kunst in die Auktionssäle. Allerdings hält sich die Begeisterung der Auktionatoren wie potentieller Käufer in Grenzen; denn die Schwäche der Kunstsammlungen von Unternehmen ist, daß sie „politically correct“ sein müssen, also Kunstwerke, die Anstoß erregen könnten, nicht gekauft wurden. Außerdem haben „Zwangsverkäufe“ auf Grund von Pleiten einen negativen Beigeschmack bei potentiellen Käufern.

Wahrscheinlich sind deshalb die ersten 283 der 650 Kunstwerke von Lehman Brothers von dem in Philadelphia ansässigem Auktionshaus Freeman, also nicht von den großen New Yorker Auktionshäusern, versteigert worden. Da die Schätzpreise sehr niedrig angesetzt waren, fanden alle Angebote einen Käufer. Das ergab eine Einnahme von 1,35 Millionen $. Der höchste Preis wurde dabei für Roy Lichtensteins Grafik „I Love Liberty“ von 1982 mit 49.000 $ erzielt.

Von Unternehmenspleiten profitieren auch andere Auktionshäuser. Bonhams and Butterfields verkaufte Kunst des in die Pleite gerutschten kalifornischen Rechtsanwaltsbüro Heller Ehrman. In Italien bescherte der Niedergang der Fluggesellschaft Alitalia SpA dem Auktionshaus Finarte ein großes Angebot von zeitgenössischer Kunst.

Die Auktionshäuser sind froh, auf diese Weise Kunstwerke zu erhalten; denn nach dem Rückgang der Preise nach dem Ausbruch der Finanzmarktkrise ist es für sie schwer, Kunstbesitzer zum Verkaufen zu animieren. Wenn diese nicht unbedingt dringend Geld brauchen, sei es wegen Steuernachzahlungen oder Erbstreitigkeiten, werden vor allem Spitzenwerke nicht aus der Hand gegeben.

Allerdings wird rare und exzellente Kunst auch in schlechten Zeiten hoch bezahlt. Das zeigt sich nicht zuletzt an den Auktionsergebnissen für Skulpturen von Alberto Giacometti (1901-1966). Im November 2009 brachte die Figur „L’homme qui chavire“ bei einer Sotheby’s-Auktion in New York bei einem Schätzpreis von 8 bis 12 Millionen $ einen Auktions-Verkaufspreis von 19,3 Millionen $. Anfang Februar dieses Jahres wurde seine lebensgroße Figur „l’homme qui marche“ bei 65 Millionen Pfund (74 Millionen € bzw. 104 Millionen $) bei Sotheby’s in London zugeschlagen. Je nach Währung ist das wohl der höchste Auktionpreis, das je für ein Werk gezahlt wurde. Bisher galt das Gemälde „Dora Maar mit Katze“ von Pablo Picasso mit 95 Millionen $ als das teuerste.

Die Skulptur „l’hhomme qui marche“ von Giacometti hatte jahrelang die Vorstandsetage der Dresdner Bank geziert. Nach der Fusion mit der Commerzbank hieß es „weg mit der Pietät“. Der unerwartet hohe Erlös soll die Finanzierung von vorhandenen Kulturstiftungen dienen, sagt die Commerzbank. Mancher Steuerzahler hätte das Geld lieber zur Rückzahlung von Staatsgeldern, genauer Steuergeldern, gesehen; doch das wären nur Peanuts gewesen, hat doch die Commerzbank im vierten Quartal 2009 einen Verlust von 1,6 Milliarden € ausgewiesen. An der Bank hält der Steuerzahler ein Viertels des Aktienkapitals.

Dr. Christian GÖKE, für die Art Forum verantwortlicher Geschäftsführer der Messe Berlin GmbH, hat mit den neuen Co-Direktoren ein erfahrenes und international versiertes Duo gefunden, das im Konkurrenzkampf der Kunstmessen in Europa Berlin international besser positionieren wird. Dafür bringen beide beste Voraussetzungen mit.

Eva-Maria Häusler studierte spanische und französische Literatur und Linguistik an der Universität Basel. Von 1997 bis 2007 war sie in unterschiedlichen Leitungsfunktionen bei der MCH Messe Schweiz tätig, darunter die letzten sieben Jahre als Show Manager der internationalen Kunstmesse Art Basel. Sie wird der Messe Berlin bereits in den kommenden Wochen zur Verfügung stehen, ohne jedoch ins operative Geschäft des Art Forums Berlin 2008 direkt einzugreifen.

Peter Vetsch studierte Kunstgeschichte, Wirtschafts- und Sozialgeschichte sowie Publizistik an der Universität Zürich. Von 1988 bis 1998 war er Chefredakteur der Kunstzeitschrift ARTIS Zeitschrift für neue Kunst und von 1999 bis 2000 stand er den Zeitschriften Ideales Heim und Atrium vor. Seit 2000 ist er Communications-Manager der beiden Kunstmessen Art Basel und Art Basel Miami Beach. Er wird ab Herbst für das Art Forum Berlin tätig werden (8051).

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Daniel BIRNBAUM (45), seit 2001 Rektor der Städelschule (Staatliche Hochschule für Bildende Künste) in Frankfurt und zusätzlich Direktor der angeschlossenen Ausstellungshalle Portikus, ist zum Direktor der Biennale Venedig 2009 gewählt worden. Er war bereits Co-Kurator der 50. Biennale im Jahr 2003 (8041).

Birnbaum, 1963 in Schweden geboren, ist ein Außenseiter im öffentlichen Kunstbetrieb. Er hat den großen Vorteil, in der Schweiz, Österreich und in den USA aufgewachsen zu sein und in den Staaten, Schweden sowie Deutschland studiert zu haben. In Philosophie hat er promoviert. Kunstgeschichte war ein Nebenfach für ihn. Während des Studiums übersetzte er klassische Literatur und philosophische Werke aus dem Deutschen und Französischen ins Schwedische. Danach arbeitete er für die schwedische Zeitung Dagens Nyheter als Kunstkritiker. Noch heute schreibt er sporadisch für Kunstpublikationen. Sein besonderes Interesse gilt der zeitgenössischen Kunst und dabei dem Entdecken von Künstlern. Bei diesem Lebenslauf spricht viel dafür, daß er der Biennale Venedig neue Impulse gibt und der Besuch der verschiedenen Pavillons wieder zum globalen Ereignis wird (8042).

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Martin ENGLER (41) wird im Städel-Museum Kustos für Kunst nach 1945. Er wechselt im Sommer von seiner Kuratortätigkeit im Kunstverein Hannover nach Frankfurt (8043).

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Thomas KÖHLER wird ab Juli Stellvertretender Direktor der Berlinischen Galerie. Er wird hauptsächlich als Projekt- und Programmkoordinator tätig sein und soll Sponsoren für die Ausstellungen akquirieren. Er war bisher im Kunstmuseum Wolfsburg tätig (8044).

Heinz STAHLHUT, wird Sammlungsleiter Bildende Kunst der Berlinischen Galerie. Er arbeitete bisher im Museum Tinguely in Basel (8045).

Coca Cola ist seit 80 Jahren Förderer der Olympischen Spiele und spürt einen Bumerang-Effekt für das Engagement in Peking. Mit Coca Cola fürchten 60 Sponsoren und Ausrüster, darunter die deutschen Unternehmen adidas und VW, negative Effekte ihres Sponsorings. Die Gefahr besteht nicht nur durch die Politik des totalitären Staates, in denen Menschenrechte tagtäglich von Behörden verletzt werden und nach Schätzungen von Amnesty International jedes Jahr über 6 000 Todesurteile, vielfach aus politischen Gründen, vollstreckt werden.*

Es gibt das zusätzliche Problem des Dopings im Spitzensport. Nicht nur die Telekom hat ihr Image dadurch ziemlich beschädigt. Außerdem sind die Summen, die bei Großereignissen, wie Olympische Spiele oder Fußball-Weltmeisterschaften, von Haupt-Sponsoren gezahlt werden müssen, im dreistelligen Millionbereich. Das können sich nur weltweit tätige Konzerne leisten. Aber auch in nationalen Märkten sind die Summen für Sponsoring in publikumswirksamen Sportarten, sprich mit Chancen auf TV-Übertragungen, in den letzten Jahren stark gestiegen. Es wird nach Alternativen gesucht.

Tatsächlich nimmt die Förderung von Kulturinstitutionen zu. In Deutschland erhöhten sich die Sponsoringeinnahmen von Kulturinstituten 2007 um mehr als 100 % auf 6,7 % der Gesamteinnahmen. Die Beträge könnten entschieden höher sein, wenn nicht viele Verantwortliche in den Kulturinstitutionen geradezu fahrlässig Chancen vergeben würden. Nur 4 % verfügen über eine spezielle Sponsoringabteilung. 40 % betreuen allerdings bereits innerhalb ihrer Marketingabteilung ihre Förderer, wie eine Studie der Berliner Sponsoringagentur Causales ergab.

In Unternehmen wird dem Kultursponsoring immer mehr Beachtung geschenkt. Das zeigt sich daran, daß vor zwei Jahren noch 80 % von ihnen in einzelne Projekte oder Veranstaltungen investierten. Inzwischen gibt es vermehrt eine allgemeine, langfristigere Förderung der Kulturinstitute. Knapp zwei Drittel, meist Großunternehmen, engagieren sich kontinuierlich für mindestens zwei Jahre, wie die Studie von Causales zeigt. Herrscht in den Marketingabteilungen große Professionalität, weil allein aus Steuergründen Sponsorgeld sinnvoll eingesetzt werden muß, sind in den Kulturinstitutionen noch zu viele Laienspieler am Werke.

* Eine klare Mehrheit der deutschen Manager spricht sich für ein Fernbleiben von der Eröffnungsfeier zu den Olympischen Spielen in Peking aus. Damit soll ein Zeichen gegen die Menschenrechtsverletzungen durch die chinesische Regierung gesetzt werden. Jeder Fünfte von 2 000 von dem Karrieredienstleister Placement24 befragten Manager sieht sogar im Fernbleiben eine Option. Allerdings sehen genauso viele nach den Erfahrungen mit dem Boykott der Spiele in Moskau 1980 keinen Sinn in einem generellen Boykott der Spiele.

Die Art-Cologne ist die „Mutter aller Kunstmessen“. 1967 geboren, ist sie allerdings in ein Alter gekommen, daß sie ständig neue Infusionen braucht, um zu überleben. Die Art Basel hat ihr nicht nur in Europa, sondern auch durch die Art Basel Miami längst den Rang abgelaufen. Der „kölsche Klüngel“, das heißt, die um ihren Einfluß und damit Umsätze fürchtenden Galerien der Stadt, haben nicht begriffen, daß sie selbst mit der Teilnahme internationaler Konkurrenz sich selbst hätten hoch hieven können. Abschottung von der Konkurrenz hat langfristig noch nie einem Wirtschaftszweig geholfen.

Die Querelen um das Messekonzept in Köln fanden mit der Entlassung des künstlerischen Direktors Gérard Goodrow ein Opfer; doch der Geschäftsführer der Kölner Messegesellschaft, Oliver P. Kuhrt, hat zwei Monate vor der Messeeröffnung keinen Nachfolger. Schwammig ist das Versprechen für die Messe auf deren Homepage: „Brücken in die Welt der Kunst: Dieses Bild zeichnet die ART COLOGNE 2008. Brücken zwischen den Rheinseiten; Brücken zwischen Asien und Europa, dem diesjährigen Schwerpunkt der Kunstmesse und seinem Rahmenprogramm. Die Brücken sind gebaut! Sie sind herzlich eingeladen.“

194 Galerien haben sich angemeldet, 32 Galerien allein aus Köln und eine ganze Reihe aus der Umgebung der Stadt. Aber immerhin auch 77 Galerien aus dem Ausland, wenn auch zumeist aus den näheren Ländern wie Belgien, Luxemburg, Schweiz und Österreich. Von den angekündigten Brücken nach Asien ist wenig zu sehen. Lediglich eine Galerie aus China und zwei aus Korea haben sich angemeldet. Allerdings dürften europäische Galerien chinesische Künstler vorstellen.

Mit der Internationalität tat sich die Art Cologne auch in anderer Hinsicht schwer. Mit der „Art Cologne Palma de Mallorca“ wollte man im letzten Jahr der höchst erfolgreichen „Art Basel Miami“ kopieren; doch das ging schief. Eine zweite Messe auf der Insel wird es nicht geben.

Kunst-Messe-Termine 2008

16. bis 20. April Art Cologne
04. bis 08. Juni Art Basel
31. Oktober bis 3. November Art Forum Berlin

Wolf VOSTELL war Maler und Bildhauer, aber auch einer der Pioniere des Environments, der Videokunst, des Happenings und der Fluxus-Bewegung. Er lebte und arbeitete die letzten Jahre hauptsächlich in Berlin und in Spanien. Dort ist ihm ein ganzes Museum gewidmet, das Museo Vostell Malpartida de Caceres. 1932 in Leverkusen geboren, starb er am 3. April 1998 in Berlin

Am 14. Oktober wäre er 75 Jahre alt geworden. Das war Anlaß für seine Familie und Freunde sowie Galeristen und Museumsleitern, Aktionen und Ausstellungen gemäß Wolf Vostells künstlerischen Absichten zu organisieren.

In Berlin fand ein „Fluxus-Essen” im Umspannwerk Kreuzberg statt, zu dem 100 Freunde und Wegbegleiter Vostells gekommen waren. Bei dieser Gelegenheit wurde für Berlin ein Kunstwerk, das eine Hommage an ihn ist, vorgestellt: Ein einbetonierter (Schuco-) Mercedes des Künstlers Cornel WACHTER, den er in Zusammenarbeit mit Wolf Vostells Sohn Raphael VOSTELL geschaffen hat. Vorbild ist in dem Fall nicht die Auto-Skulptur in Berlin, sondern das Beton-Auto von Wolf Vostell in Köln auf dem Hohenzollernring.

Das Multiple, von dem 99 Exemplare hergestellt wurden, finden Sie als „aktuelles Angebot” auf dieser Homepage. Ich freue mich, daß ich mir einige Exemplare sichern konnte, habe ich doch bereits Anfang der siebziger Jahre mit Wolf Vostell zusammen gearbeitet und ihn 1972 in meiner Münchner Galerie ausgestellt. Bereits vor der Ausstellung und danach habe ich Grafik-Editionen von Vostell verlegt, die fast völlig vergriffen sind. Einige Einzelexemplare finden Sie auf dieser Homepage auf den Grafik-Seiten.

Eine ganze Reihe von Ausstellungen gab es bereits in diesem Jahr für Wolf Vostell, unter anderem

in der Galerie Michael WEWERKA, Berlin

im Rheinischen Landesmuseum Bonn unter dem Titel „Meine Kunst der ewige Widerstand gegen den Tod”
auf der Cologne Fine Art als Sonderausstellung „Wolf Vostell auf Straßen und Plätzen”

Weitere Einzelausstellungen werden sein

17.01. – 28.02. 2008
Galerie artis causa, Thessaloniki
„Drawings and sculptures”

13.02. – 15.05.2008
Musée d’art contemporain Nîmes
„Meine Kunst ist der ewige Widerstand gegen den Tod”

Spätsommer 2008
Kölnischen Stadtmuseum
„Wolf Vostell- auf Straßen und Plätzen”.

Herbst 2009
Museo Reina Sofia (MNCARS), Madrid
Umfangreiche Retrospektive

Klicken Sie hier, um einige lieferbare Grafiken zu sehen.
Informationen über weitere käufliche Werke aus dem Nachlaß erhalten Sie gerne. Fordern Sie diese mit dem Kontaktbogen an

Nouveau Réalisme –
Revolution des Alltäglichen
heißt die Ausstellung die bis
27.01
im Sprengel Museum Hannover zu sehen ist.

Auch hier ist Wolf VOSTELL, der einige Zeit in Paris verbracht hatte, mit wichtigen Werken vertreten.

CHRISTO und Martial RAYSSE sind weitere Künstler aus meinem Programm, die in der Ausstellung zu sehen sind.Nouveau Réalisme ist die wichtigste Kunstströmung der Avantgarde in der Nachkriegszeit in Frankreich. Die Bezeichnung wurde von dem Kunstkritiker Pierre RESTANY in den sechziger Jahren geprägt, der wesentlich an einem Manifest der Gruppe Nouveau Réalistes beteiligt war. Erstmals hatten europäische Künstler die schillernde Welt des Massenkonsums, der Werbung und der Unterhaltungsindustrie zur Quelle ihrer Inspirationen genutzt. Die Ausstellung im Sprengel-Museum wurde in Zusammenareit mit dem Centre Pompidou, Paris, organisiert.

„Nur wenige zeitgenössische Künstler haben einen so ausgeprägten Sinn für die Verpflichtung der Kunst zur Beschäftigung mit der Vergangenheit und ethischen Fragen der Gegenwart, und sind in der Lage, die Möglichkeit auszudrücken, Schuld durch menschliche Anstrengung zu tilgen”, hieß es 1999 in der Begründung für den Praemium Imperiale der Japan Art Association für Kiefers Lebenswerk. Dieser international ausgeschriebene Preis ist der höchst dotierteste und begehrteste.

2007 wurden Ausstellungen von Kiefer unter anderem im Guggenheim Museum in Bilbao und im Grand Palais in Paris gezeigt. Anfang des Jahres präsentierte er außerdem eine Installation im Innenhof der Royal Academy in London. Dort hatte er zwei 16,50 Meter hohe brüchige Türme unter dem Titel „Jericho” aufgebaut, die aussahen, als wenn sie gleich zusammenbrechen würden. Sie sollten eine Metapher für Wandel, Zeit, Unsicherheit, Verfall, Erinnerung und Wiederauferstehung im biblischen Sinn sein.

Kunstpreise

Den Kunstpreis Praemium Imperiale erhielten in diesem Jahr der Franzose Daniel BUREN für Malerei und der Engländer Tony CRAIG für Bildhauerei.

Die Gesellschaft für Westfälische Kulturarbeit in Münster vergab ihren Förderpreis an Caroline BAYER und Theresa FRÖHLICH. Sie erhalten je 8 000 € und eine Ausstellungsmöglichkeit im Skulpturenmuseum Glaskasten Marl.

Den Atelierpreis der Karl Hofer Gesellschaft erhält Romana SCHMALISCH. Der Preis ist mit 5 000 € dotiert. Wichtiger als der Betrag ist wahrscheinlich für die Preisträgerin, daß sie zusätzlich 4 000 € für eine Ausstellung und einen Katalog erhält. Es ist nicht die erste Auszeichnung für sie. Für ihr Projekt „Reconstructing Futures” erhielt sie unter anderem ein Filmstipendium der Senatsverwaltung für Wissenschaft, Forschung und Kultur Berlin und eine Unterstützung als „Researcher” an der Jan van Eyck Akademie Maastricht. Zu ihrer Werkgruppe „Reconstructing Futures” gehört eine mehrteilige, skulpturale Video-Installtion, die im August erstmalig im Wilhelm Lehmbruck Museum gezeigt wurde, und innerhalb der Sammlung des Museums als permanente Installation in den Räumen zu sehen ist. Die Künstlerin wurde 2002 Meisterschülerin bei Prof. Katharina SIEVEKING an der Universität der Künste Berlin.

Die drei größten Auktionshäuser der Welt, Sotheby’s, Christie’s und Philips de Pury, verzeichneten bei ihren New Yorker Versteigerungen mit 1,7 Milliarden $ einen neuen Umsatzrekord. Im Vorjahr waren 1,3 Milliarden $ umgesetzt worden. Das diesjährige Ergebnis war doppelt so hoch wie vor zwei Jahren. Die vorausgegangenen Auktionen von Impressionisten in New York waren jedoch eine Enttäuschung für die Verkäufer.

Europäer nutzten die Dollarschwäche für Käufe. Sie stellten fast die Hälfte der Auktionsbesucher. Wie stark sich die Eurostärke auswirkt, das konnten die Auktionsbesucher an den Umrechnungszahlen auf dem Bildschirm an der Wand bei Sotheby`s sehen, die außer in Dollar die Preise in britischem Pfund, Schweizer Franken, Japanischen Yen und Hongkong-Dollar angaben. Der Zwischenstand von 34.500.000 $ für ein Bild des Engländers Francis Bacon bedeutete nur 23.504.850 €. Es war das teuerste Bild an dem Abend. Es wurde letztlich für 45,9 Millionen (inklusive 12 % Provisionsaufschlag) verkauft.

Zum teuersten lebenden Maler wurde bei der Auktion der Amerikaner Jeff Koons, dessen Bild „Hanging Heart” für 23,6 Millionen $ den Besitzer wechselte. Bisher war der Engländer Damion HirstMit Impressionisten hatte Sotheby’s 1990 einen Auktionsrekord erzielt. Bei den diesjährigen Herbst-Auktionen war das Ergebnis desillusionierend. Das van Gogh-Bild „Weizenfelder” fand bei einem Schätzpreis von 28 bis 35 Millionen $ keinen Bieter. Das ähnlich hoch geschätzte Bild von Picasso „La lampe” , Renoirs „Enfant assis en robe bleue” (früher im Besitz von Greta Garbo) und Braques „L’echo” fanden ebenfalls keinen Käufer. der teuerste Maler.

Für mich ist das nicht so überraschend; denn die Auktionshäuser hatten in den vergangenen Jahrzehnten – teilweise mit Absprachen untereinander – die Preise für Impressionisten hochgejubelt. Das extremste Beispiel dafür ist der Verkauf von van Goghs „Sonnenblumen”, das damals mit 86 Millionen $ bei einer Sotheby’s-Auktion zum teuersten Bild der Welt wurde. Hinterher kam heraus, daß der Bildverkauf nach Japan mit einem Kredit von Sotheby’s finanziert worden war – und der Kredit vom Käufer nicht getilgt werden konnte.

Der van Gogh war also unverkauft geblieben, heizte aber die Preise aller Impressionisten an. Leute, die wenig von Kunst verstanden, aber viel Geld hatten, stürzten sich à la mode auf die farbenfreudigen und dekorativen Bilder. Das konnte nicht gut gehen. Selbst ein Gauguin aus einer berühmten Sammlung der Familie Whitney, blieb jetzt von den Preiseinbrüchen nicht verschont. Das Bild von 1892 „Te poipoi (le matin)”, eins seiner ersten Bilder aus Tahiti, wurde auf 40 bis 60 Millionen $ geschätzt, fand aber nur einen Bieter. Der Chinese Joseph Lau aus Hongkong erwarb es für nur 35 Millionen $. Einst, in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, hatte Joan Whitney Payson dafür 33.000 $ bezahlt, und es in die mit ihrem Bruder John Hay aufgebaute Sammlung integriert. Joans Tochter Payne Middleton hatte das Bild für die Familie zur Auktion an Sotheby’s gegeben. In einem Interview erzählte sie, wie sie und andere Kinder der Familie mit berühmten Bildern aufgewachsen sind, ohne viel über diese zu wissen. So passierte es, daß die Kinder ihrer Schwester einen Picasso als Dart-Scheibe benutzten (Financial Times, London 93.11.07).

Deutsche Künstler der Moderne erreichten ebenfalls nicht die Schätzpreise. Franz Marcs „Wasserfall” brachte nur 18 Millionen (Schätzpreis 20-30 Millionen $), Lyonel Feiningers „Grüne Brücke” 9 Millionen (12,5-15 Millionen $). Allerdings war das Bild 2001 bei Christie’ s in London für nur 3,4 Millionen verkauft worden. Auf Chinesen, Inder, Russen und Araber setzen die Auktionshäuser ihre Hoffnungen, seit die Großverdiener der Finanzwelt vorläufig wohl als Käufer ausfallen. Denn in deren Ländern ist jeweils eine Schicht der Superreichen zu finden, für die Kunstkauf eine Prestigefrage ist. Deshalb boomt der Kunstmarkt auch in diesen Ländern. Daß der Gaugin an einen Hongkong-Chinesen ging, ist ein Zeichen.

Das Pariser Auktionshaus Artcurial hat gerade ein Joint Venture in China mit dem chinesischen Medienkonzern Sun Media gegründet. In Dubai entstehen Museen mit ausländischen Partnern wie dem Louvre. Diese Entwicklungen lassen die Auktionatoren optimistisch bleiben (Quellen: Financial Times, London 03./17.11.07 / Frankfurter Allgemeine 10.11.07 / Internetrecherchen bei den Auktionshäusern).

Der Museumsführer Berlin ist jetzt neu erschienen. Der Autor Dr. Jörg Raach hat die Sammlungen von 175 Museen kurz beschrieben und darin auf weitere Ausstellungsorte hingewiesen. Wie die vorige Ausgabe empfehle ich diesen Museumsführer Berlinern und Touristen, vor allem auch ausländischen; denn der deutsche Text ist komplett ins Englische übersetzt.

Aktuelle Ausstellungen in den Berliner Museen beschreibt Raach im Internet. (www.berliner-kulturbrief.de). Wichtigstes Thema in der Juli-August-Ausgabe sind „Die schönsten Franzosen aus New York“, nämlich 150 französische Meisterwerke des 19. Jahrhunderts aus dem Metropolitan Museum of Art, New York, die in der Berliner Nationalgalerie bis zum 10. Oktober gezeigt werden (siehe auch hier im Newsblog unter Ausstellungen).

Dr. Jörg RAACH: Berliner Museen / Museums of Berlin. Die wichtigsten Museen der Stadt / The Most Important Museums of the Town. LH-Verlag Berlin, 120 S., Format 21,5 x 11,7 cm, zahlreiche Abbildungen, Übersichtskarte und viele praktische Hinweise 9,80 € (zum Bestellen siehe Internet-Seite: Kunst-Angebote „Bücher & Kataloge“).

Die Rekorde bei den Auktionen zeitgenössischer Kunst in New York signalisieren, dass es immer mehr dieser Superreichen gibt, die alles haben und ihr Prestige gegenüber anderen Superreichen nur erhöhen können, wenn sie etwas kaufen, was für andere dann nicht mehr erschwinglich ist, nämlich Kunst. Und die kann man noch seinen Freunden und Bekannten zeigen, während die Millionen Dollar teure Yacht im Hafen einer Karibikinsel oder einer Bucht an der Cote d’Azur kaum einer sieht, den man beeindrucken möchte.

Die großen Drei unter den Auktionshäusern, Sotheby’s, Christie’s und Phillips de Pury & Co. erreichten bei ihren Mai-Auktionen für viele Künstler Rekordpreise und damit Rekordumsätze. 65 von 74 Losen verkaufte Sotheby’s für 255 Millionen Dollar, 74 von 78 Losen Christie’ s für 385 Millionen Dollar und Phillips de Pury, überwiegend ganz junge Kunst anbietend, 68 von 74 Losen für 33,3 Millionen Dollar.

Der teuerste deutsche Künstler, Gerhard Richter, verzeichnete einen neuen Höchstpreis. Das aus der Sammlung Frieder Burda stammendes Werk „Abstraktes Bild” von 1992 wurde bei 5,5 Millionen Dollar zugeschlagen; der Schätzpreis lag bei 3 bis 4,5 Millionen Dollar. Da ist der neue Star am deutschen Kunsthimmel, Daniel Richter, der wie viele der jungen Aufsteiger in Leipzig Bilder bereits vor der Fertigstellung verkauft, fast billig. 700.000 Dollar wurden für ein Bild aus dem Jahr 2002 gezahlt; der Schätzpreis lag bei 350.000 bis 400.000 Dollar (siehe unter Ausstellungen).

Naturgemäß wurden die höchsten Preise für Werke von amerikanischen Künstlern erzielt. Mark Rothko wurde zum teuersten zeitgenössischen Künstler. Für das 205,8 x 141 cm große Bild „White Center (Yellow, Pink, and Lavender on Rose”, grob gesagt ein abstraktes Gemälde aus dem Jahr 1950, wurde bei einem Schätzpreis von 40 Millionen Dollar für 65 Millionen Dollar verkauft. Der Käufer muß zusätzlich ein Aufgeld knapp 8 Millionen Dollar zahlen.

Wer bei einer Auktion unbedingt ein Werk kaufen will, muß sich deutlich bemerkbar machen. Der Erfolg ist für einen Telefonbieter nicht immer garantiert, zeigte sich am 24. Mai bei der Versteigerung Moderner Kunst beim Auktionshaus Neumeister in München. Im Saal saßen lediglich 60 bis 70 Interessierte, von denen vielleicht ein Dutzend Gebote abgaben. 12 Mitarbeiterinnen Neumeisters saßen am Rande und betreuten telefonisch Bieter. Einer hatte besonderes Pech.

Bridget RILEY “Byzantium”. Das Gemälde von 1969 im Format 165 x 370 cm brachte mit 1,32 Millionen € den höchsten Preis der Neumeister Auktion in München

Als es um das Highlight der Auktion ging, ein großformatiges Bild der britischen Künstlerin Bridget Riley, das mit 600.000 bis 700.000 € geschätzt war, fiel der Hammer bei 1.320.000 € – und ein ausländischer, extrovertierter Bieter atmete auf. Es kam der leise Protest einer Telefonistin des Hauses, deren Gesprächspartner noch mehr bezahlten wollte; doch die Nachricht war bei der Versteigerin nicht angekommen. Alle Einwendungen des nicht anwesenden Bieters über die Telefonistin halfen nichts. Der Hammer war gefallen. Riley, deren Kunst der Op-art zugerechnet wird, hat mit dem Auktionsergebnis einen neuen Rekordpreis erzielt. Sie lebt und arbeitet in London, ist auch in Deutschland hoch geschätzt. So ist sie auch seit 2004 Mitglied der Akademie der Künste in Berlin.

Der Eintrittspreis für das Museum ist mit 20 Dollar pro Person zwar happig, aber in New York sind diese Preise generell nur empfohlene Richtpreise – der Besucher entscheidet selbst, wie viel er bezahlen will. Es kann also auch ein halber Dollar sein, Hauptsache es wird irgendetwas bezahlt!